Poland, August 22, 2014 to the end of 2015 – Krosno Museum of CraftsIt is a great honor to receive a Jury nomination in this Linen Biennial competition, alongside very creative and talented artists from highly textile countries.
The show will also be presented throughout Poland, including its participation within the Biennial of Small Woven Forms. It will also travel to Slovakia and Hungary until the end of 2015.
“El diablo“. Hand embroidery, paper appliqué, and quilting. 54 X 40 cm. 2014
Silvia Piza-Tandlich. El Diablo. 54 X 40 cm
Linen was brought to Costa Rica during the Spanish conquista, and as a child it was very common to watch Mother embroider her tablecloths and napkins. She would give me remnants to entertain myself while she embroidered, and I fantasised by making dolls and puppets—one of which was the devil (“El diablo”), a mask used in the Boruka indigenous culture—all out of imported linen. Thus, the present artwork represents my childhood memories as well as the mestizo tradition still in existence: “El diablo”, which in my case is made with unfinished linen napkins from 55 years ago.
Krosno Grand Prix 2014
Es fascinante poder seguir al menos parte del proceso creativo de toda expresión artística, especialmente si el proceso sucede paralelo a vivencias singulares dentro de un contexto bicultural.
Una tarde en mi galería, entraron padre, madre e hijo —todos de mirada vivaz y cara de inteligentes— y por tratarse de vecinos de la zona, les propuse que formáramos un grupo comunitario de tertulia e intercambio. Así fue como conocí a Frank Brandl y familia.
Para esta nota, vale la pena sacar la cuenta de fechas y edades, ya que el proceso de Frank de reinventarse en varios ámbitos, es un tanto distinto al de un artista en constante experimentación. La diferencia radica en que el artista hace experimentación dentro de su campo, mientras que Frank ejemplifica todo el proceso de absorción humana a un nuevo escenario cultural, además de su ósmosis textil hacia una imprevista contemporaneidad, la cual no encontramos en todas las personas.
Su narrativa inicia con haber nacido en Colonia en la Alemania de los años 1960 y que, a los 17 años, viajara más de 500 kilómetros hasta el puerto de Bremen. Lo que él no expresa es la intensidad de este puerto famoso, que fuera el antiguo puerto Hanseático de más relevancia: cargado del sabor y la rigurosidad característicamente alemanas, con extensa actividad relacionada a funciones marítimas y portuarias, donde el joven entrena nada menos que en el Schulschiff Deutschland —el barco escuela germánico de renombre— cargado de oficiales bastante serios y estrictos, con 25 velas y 1950 metros cuadrados de espacio. Frank fue parte del último grupo de pupilos antes de que el velero pasara a convertirse en museo. Fue allí donde el chico que quería recorrer el mundo, aprendió a hacer nudos.
Estampilla que muestra al Schulschiff Deutschland en todo su esplendor.
Desde el punto de vista meramente textil, existe una decena de nudos básicos que nos llega de la época de los Egipcios y otras culturas de navegantes, con cientos de combinaciones de carácter ornamental. Estos nudos eran vitales en las cubiertas de los veleros y de las amarras dependía su navegación. Sin embargo, luego de la II Guerra Mundial, los mecates y amarras naturales se fueron sustituyendo por aparatos, artefactos y artilugios de metal, conforme la tecnología y mecánica del siglo XX fueron avanzando. En tono irónico, Frank cuenta que —“en los barcos fueron eliminando a los marineros alemanes: por cada alemán, ponían a cuatro filipinos, o a cuatro de Tonga. Cuatro eran más baratos que un alemán, por lo cual, el oficio de marinero ofrecía muy poca estabilidad”.
Las amarras tradicionales fueron sustituidas por cabos precortados para embarcaciones más modernas, de manera que los nudos hoy en día son usados primordialmente en deportes que requieran subir o bajar paredones, o en operaciones de rescate vertical por parte de servicios de emergencia.
Finalizado su riguroso e inusual entrenamiento, Frank trabajó de marinero mecánico hasta 1992, año en que decidió establecerse en Costa Rica con su esposa, Patricia. A partir de ese momento, los recuerdos de su vida marítima quedan plasmados sobre el oleaje de su memoria, con muy pocas excepciones tangibles: todavía conserva la medalla al honor del Servicio Marítimo Alemán de Búsqueda y Rescate (Deutsche Gesellschaft zur Rettung Schiffbrüchiger), que recibiera por salvar a los tripulantes de un barco por hundirse.
Medalla del Deutsche Gesellschaft zur Rettung Schiffbrüchiger.
Revés: Medalla del Deutsche Gesellschaft zur Rettung Schiffbrüchiger.
Como vecinos que somos, a menudo él, su familia y la suscrita hemos conversado sobre el cambio tan radical que experimentó Frank al permanecer en tierra firme. También hago referencia a que muchos artistas nos vemos en la necesidad de reacomodar nuestra creación de acuerdo a los requerimientos que tengamos por delante. Escucho mi voz haciendo la pregunta obvia: —“En tu caso, ¿tuviste que reinventarte a qué?” —“¡A nada!” responde sonriendo el entrevistado. Una vez en tierra, su sustento y el de su familia tomarían un lugar prioritario en su nueva vida, de manera que pasarían 16 años sin que él tuviera ocasión de atar cabos.
Sin embargo, “lo que bien se aprende, nunca se olvida”, dice el dicho. Y Frank agrega: —“¡también me quedó mi manual de nudos!”
El tradicional nudo “puño de mono”, utilizado para atar el barco al muelle.
Luego de 16 años en su nueva vida en Costa Rica, le entraron ganas de hacer veleros completos dentro de botellas, tal y como había leído en literatura, pero pasaría un rato más antes de tener la ocurrencia de hacer un macetero en técnica de macramé, para regalárselo a una pariente.
Frank Brandl. Velero en botella.
Este retorno al mundo de los nudos fue considerado algo práctico, sin pretender más mérito que la canasta en sí, con el valor utilitario correspondiente. Sin embargo, algún encanto debe haber quedado en la mente del creador pues, sonriente, accedió a hacer un marco, dentro del cual colocaríamos una pequeña quilt hecha a mano por su esposa. El resultado fue tan impresionante, que de inmediato procedí a pedirle que hiciera otro marco y esta vez, le colocara solo nudajes que representaran algo de lo que sabe hacer.
Marco hecho por Frank, and quilt hecha a mano por Patricia.
De inmediato topó con escasez y mala calidad de materiales que podrían usarse para atar cabos, lo mismo que algunas herramientas básicas para aumentar la tirantez de ciertos nudos, los cuales tradicionalmente no pueden ser fácilmente soltados. El siguiente paso creativo era de esperarse: buscar mecates y cuerdas, con miras a explorar posibilidades en cuanto a color, forma y textura, para luego agregar una tercera dimensión a sus creaciones. Todo esto como un proceso natural, de sentido común y sin más dirección que mi apoyo entusiasta.
Ejemplo de la minuciosidad de los nudos empleados en los veleros: ahora empleados en el marco de una obra.
La rigurosidad y disciplina del entrenamiento de Frank, valen por una carrera en la “Universidad de la Vida”, mientras que lo demás proviene —como le sucede a todo artista— de su corazón, su mente y sus manos. Sin embargo, para mí es fascinante constatar que el poder de creación podrá ser afectado y hasta moldeado por circunstancias externas, pero una vez que aflora y toma fuerza, sus posibilidades no tienen límite.
Fotos 9, 10 y 11: Primer trabajo artístico terminado:
Ejemplo de la minuciosidad de los nudos empleados en los veleros: ahora empleados en el marco de una obra.
No podría finalizar esta nota, sin recordar las elocuentes palabras de Yves Michaud:
“¿Enseñar el arte? Retomar el hilo de la vida cualesquiera sean los medios”. Es así como Yves Michaud, Director de la Escuela de Bellas Artes de Paris, definía en 1993 la extrema necesidad a la cual deben responder hoy las escuelas de arte…
“Pienso que el arte es una cosa demasiado seria para dejársela únicamente a los estetas, que no está hecho únicamente para mostrarse en los salones, sino que cuenta en nuestras vidas de una manera mucho más esencial”. “Lo que me interesa es encontrar la respuesta a esta pregunta: ‘¿Cómo se da que la gente tenga un deseo de arte?’ Y creo que las condiciones de esta respuesta encuentran sus raíces en lo real; una realidad que no es solo social sino también pulsional e instintiva… Me gustaría que se pudiera expresar un verdadero deseo de arte: es decir, que la gente buscara crear en su propia vida, sin querer necesariamente exponer en un museo, de una manera totalmente lúdica.
La figura del artista contemporáneo mezcla muchas imágenes de artista: el creador tipo siglo XIX, el artesano, el ingeniero, el chaman, el filósofo (Duchamp: mago, timador, filósofo…) etc. Otros están aún por llegar, con la intervención cada vez mayor de la industria cultural, que no pienso, contrariamente a un extendido a priori, que serán necesariamente “malos”. Con los nuevos lenguajes, tendremos seguramente artistas ingenieros, a la vez más juguetones y más profesionales —como se ve ya con el vídeo— que darán vuelta a la jerarquía de los valores del Gran Arte…
Yo creo que hay motivaciones verdaderas y falsas, y que el rol de la escuela es el de desarrollar y mantener motivaciones verdaderas. Por falsas motivaciones entiendo las motivaciones simuladas, es decir, que toman un modelo, tal como las escuelas fundadas en la transmisión las han vehiculado. Más que transmitir modelos, o ‘valores’, debemos ayudar a los estudiantes a encontrar su propia identidad”.
Extractado de un reportaje de la revista “Connaisance des Arts”, en 1993: Enseigner l’art?: Analyses et reflexions sur les ecoles d’art (Rayon art) (French Edition). Yves Michaud (1993).
—Silvia Piza-Tandlich
I translated into English and Spanish since I think the entire world should be aware of the torture imposed upon African women slaves in Brazil, modern mistreatment of black women in many places, and in Argentina the feminist art expressions due to dictatorships, torture, and disappearances.
One thing the article doesn’t explain, is the scope of the punishment by having to wear the gag or Flanders tinplate mask:
Black woman wearing torture instrument, Flanders tinplate gag
it had a metal pin that actually went inside the woman’s mouth to press down on her tongue. Some female slaves died from metal poisoning…
—Silvia Piza-Tandlich
Within world events related to textile art, biennial shows normally introduce new tendencies and techniques to this vanguard art and, thus, choosing participants is done by way of a strict qualifying jury. Although it is regrettable that many biennales have had to permanently shut their doors due to lack of funds and political apathy for artistic and cultural events, the second edition of CONTEXTILE in Guimarães, Portugal started this month with the city municipal promise to support all side activities surrounding the main international show.
Therefore, from 26 July through 11 October, Costa Rica will be one of the participating countries in CONTEXTILE 2014, with the presence of two great artists: Alessandra Sequeira and Silvia Piza-Tandlich. Sequeira is a visual artist and participates with her new passion: hand painted silk, representing a first success within fierce competition since she is one of the 50 artists who were chosen out of several hundred proposals.
Alessandra Sequeira. Caligrafía cuántica. 97X70 cm. Ink and embroidery over silk.
By contrast, Silvia Piza-Tandlich has ample biennale and exposition experience throughout the world, including the 14th Łódź Triennial of Tapestry in Poland last year.
CONTEXTILE stands out by its proposed interaction between artists, creators, industry, community, and the city of Guimarães, which intends to strengthen the economy through innovation, creativity and appreciation of the textile identities of participating territories. Within the frame of this biennale’s social character, Silvia Piza-Tandlich offers artwork that is interactive with the public: “Bastion of Wisdom” is a double-sided piece showing hand embroidered proverbs in nine languages. She explains that refrains and proverbs exist in all cultures and become popular wisdom, with homologous concepts from language to language. The piece also has metal from tee-light candles, representing the whimsical human culture of wishing, and knowing.
Piza-Tandlich. Detail. Bastion of Wisdom. 76X183 cm. Artist’s own techniques over microfiber.
Silvia Piza-Tandlich. Bastion of Wisdom.
Piza-Tandlich. Bastion of Wisdom. Work in situ.
View of the entrance to CONTEXTILE biennale.
Patricia Rucavado. “Story of a nest”
Silvia Piza-Tandlich. “Hypotyposis”. 12″ X 12″ X 4″.
A book of remnants.
Photo: Doreen Bákit
Silvia Piza-Tandlich. “Hipotiposis”. 29 X 30 X 9 cm. Libro de retazos.
Xinia Matamoros. Traces of Life.
Oscar Carmona. “Feelings”
Silvia Piza – Tandlich
In 2013, Poland became the stage for dozens of textile art activities, most of them associated with the 14th International Triennial of Tapestry in Łódź, while other independent shows also took advantage of the textile atmosphere already prevalent, to make their mark.
Presented from March to mid-May in Warsaw, “The Splendour of Textiles” stands out as an independent landmark exhibit not only for being a Polish retrospect of the past 70 years, but also for its display approach that allowed a better rapport and understanding of what the audience should be expected to experience. This exhibit is, also, representative of the struggles and accomplishments of textile creators in Poland, thereby becoming a very luring thread to touch and be touched by. Staging the exhibit at The Zachęta National Gallery of Art (short: Zachęta, one of Poland’s most notable institutions for contemporary art), ensured a certain prestance and status before the public, while inserting textile art in the Arts and Crafts movements of today, and serving as a model to other leading museums and galleries to incorporate textiles into their regular programs.
Barbara Levittoux-Świderska, Hope) 1981, spatial fabric
Warsaw is a city where its population can immerse in history and cultural events, while enjoying the greenery and beauty of more than 80 parks and recreational areas—each with palaces and monuments honoring personalities of present and past. For me, however, arriving on May 3rd (Constitution Day), allowed me the opportunity to witness parades and ceremonial acts which, together with a long city tour into historic and quaint parts of town, walked me through the annals of decades of oppressive persecution and unrest, and brought me back to Polish textile perspective.
With art being an expression of the soul, it is only natural to expect a big spark of creativity stemming from all the turmoil of constant invasions, the Warsaw Ghetto and Uprising, the horrible Nazi concentration and massacre camps, and the duress of the Soviet mandate: Prussians, Nazis, Swedes, Austrians, Hungarians, Turks, Soviets… it is wonderful that Poland could be so prolific in all matters of artistic creation despite only having peace and freedom since the fall of the USSR in 1991. Quite unfortunately, however, four years later in 1995, the Lausanne Biennale—responsible for integrating textiles into contemporary artistic expressions, and also responsible for bringing us the so-called Polish school of textile art—ceased to exist, thereby reducing textile links to mainstream art trends, venues, and markets. Bear in mind that in many places, textile art has recently suffered a setback as far as the attention received as an art genre, along with all forms of art and culture being sadly neglected by governments. This lessened interest in textiles affected Poland as well as the rest of the world, combined with the world economic crisis of late.
Mother Earth Sister Moon, Joanna Malinowska and Chrisatian Tomaszeski
The Splendour of Textiles is a magnificent compilation of Polish works dating from way back, and including “textile-behaving” contemporary expressions. Not having had the pleasure to attend any of the Lausanne International Textile Art Biennale shows where the famous Polish works were originally presented, the splendor of textiles before my eyes seemed to be a hallucination! “There are no words to describe it!” “Here is the most prestigious gallery of art in Poland, showing the most prestigious examples of textile art from the glorious days, plus what could now be considered…the School of Polish textile art of today!”
The exhibit occupied all eight halls of the Zachęta Gallery, hosting also a current version of the installation and performance, “Mother Earth Sister Moon” by Joanna Malinowska and Christian Tomaszewski, which shows a huge dismembered spacesuit modeled after Soviet cosmonaut Valentina Tereshkova’s, and alluding to the Cold War space race between the East and the West. Futuristic fashion designs accompanied this show, which, of course, feels a bit outdated if we don’t think of the Challenger and Columbia explosions, and other space disasters.
Needless to say, I so enjoyed being able to see the collection of tapestries from the 17th to the 19th century, followed by those “classic” Polish tapestries of the 1960′s and 70′s. The powerful, industrial and political textiles, and the less restrained People’s Poland Era next door included vast illustrations of folk art as well as war insignias. Rather than being a strict chronological account of Polish textiles, curator Michał Jachuła explains, “…[the exhibit] demonstrates the ideological and semantic potential of art fabrics, bringing together many works that convey a clear message, be it historical, propaganda, critical, religious, or patriotic…”
Interesting contrasts between textiles and “textile behaving” works were seen throughout the show, as well as “references to textiles”. For example, Teresa Murak’s video, “Nunnery Rags” (1988) showed the artist cleaning the floor of a nunnery while a few yards away the rags were displayed in plexiglas cases. In the same room, the film “Spycifestum 2010″ by Kobas Laksa, showed the community preparation of a flower carpet for the traditional celebration of Corpus Domini, bearing the inscription “Lord, save us: we’re going to drown!” heard often during Poland’s independence struggles.
But in my opinion, the most powerful curatorial statement was perhaps, the least detected by Western visitors since the catalog was published in Polish. In the catalog, artist Marta Kowalewska states, “… It is in order to mention a current that has been increasingly present recently on an international arena. Artists of the 21st century turn more and more to broadly construed crafts. We can observe a return to old methods of craftsmanship applied in all kinds of artistic expression. A dialogue of crafts and a modern message is born. On the other hand, skeptics cast into doubt the rebirth of popularity of textile art (which calls for focused reflection), in a world that chases flying time, where an immediate exchange of information takes place. On the other hand, we should not underrate the discipline of long-lasting creative processes seen as an antidote for commercialization, superficiality and mediocrity…”
The Splendour of Textiles was quite splendid in the number and quality of works, which was expected. In addition, since the historic value of the pieces deserved clear identification in the form of museum-like wall plaques offering visitors a lot of historic and curatorial information, the Gallery, purposely or inadvertently managed to be more in touch with its audience—not excluding a live demonstration of Julita Wójcik’s “Braided rug”, made on site by 24 volunteers. The resulting video of this activity made me realize the importance of demonstrating to the general public basic things such as how a loom operates, even in a highly textile country such as Poland. I strongly approve of this approach to offer information and increase the attention span of viewers who may not be familiarized with textiles.
All in all a wonderful experience, The Splendour of Textiles sets precedence in trying to reintegrate textiles into the world of art—the way the Lausanne Biennale did it. It would be great if other prestigious galleries and museums were to take initiative and put together a similar show. After all, the current Artist-Artisan movements should stop making the distinction between “art” and “textile art”, and textiles should not succumb in a world plagued by financial crises.
For more information, please visit the web site here
Plewka-Schmidt, The Madonna of Kruzlowa
About Silvia Piza-Tandlich
Silvia Piza-Tandlich was born in Cartago, Costa Rica in 1954 where she studied Music at the University of Costa Rica. She later became a mixed-media manualist textile creator. “Manualism” is her coined term to describe an attitude, with roots in environmental and social responsibility where an ethical and civic conduct gets developed alongside artistic creation. Silvia is self-taught in many creative fields, where she performs with very good critical eye. Her textile work shows impeccable techniques, which she suddenly breaks to go to an unpredictable side of her creative expression. As an educator, artistic creation offers her a limitless field from where to present her philosophies such as rescuing Costa Rican traditions, rescuing used materials, encouraging human diversity in all its forms, improving education, and facilitating community support networks. Within her manualism and lifestyle the artist tries to reduce excessive dependency on machines, television, consumerism, and waste. From the cultural point of view, Silvia’s eclecticism protects and enriches Costa Rican identity and, at the same time, explores and enjoys the global territory. This duality helps her to present a good role model before her students and neighbors, hoping also that its effects are exponential. Presently, Silvia’s gallery and Collective Project embrace eight women and their families, providing them with educational and income opportunities.
Anna Nawrot, No title,2013, object,manikin, ties
Recent Work
• 14th International Triennial of Tapestry 2013, Łódź, Poland. Central Museum of Textiles http://www.muzeumwlokiennictwa.pl/aktualna-edycja/ • 10th Art Al Vent Festival 2013 and • 9th Art Al Vent Festival 2012 (Art In the Wind), Alicante Province, Spain, August 2012; traveling exhibition to Holland in 2013.
• 11th Art Inter/National Exhibition, Pittsburgh, Pennsylvania, USA, http://www.boxheart.org January 2012.
• 6th WTA International Biennial of Contemporary Textile Art: “Air, A Vital Element”, Salon for Recyclability In Textile Art, Oaxaca, Mexico, 2011. http://www.wta-online.org
• Radio program: “Let’s Talk About Culture” http://www.rainforestradio.com 2011.
• Solo exhibit: “Metamorphosis: A New Cycle”. Textile fantasy intervention with 102 works in eleven ambiences. National Museum of Costa Rica.July-September,2010. metamorfosishabitat.com •Invited artist: Salon for Invited Artists, First International Encounter IberoAmerican Textile Network, Omar Dengo Foundation, Costa Rica. 2010. http://www.redtextilia.org
• Invited artist: “Costa Rican Textile Creation”. Cartago Municipal Museum, Costa Rica. 2010.
• Collective show: “Affiliates Exhibition”, First International Encounter IberoAmerican Textile Network, Costa Rica. 2010. http://www.redtextilia.org
• Collective show: “Women In Art”. Sophia Wanamaker Gallery, Costa Rica. 2009.
• International collaborations: “Tree of Interdependence”. Huntsville, Alabama, USA. 2009. “Abandoned Gas Station Wrap”, 2008. http://www.internationalfibercollaborative.com
• Collective show. Museum Rómulo Raggio, Argentina. 2008
• 4th Textile Art Show – Medium Size Format. Museum of Popular Art José Hernández, Buenos Aires, Argentina. 2008.
• First Conjunctions Visual Arts Biennial, Museum of Costa Rican Art, Costa Rica. 2008.
• 4th WTA Biennial of Textile Art & Design: “Man+Woman=Creation”. 2006.
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http://arte.elpais.com.uy/el-esplendor-de-los-textiles-esplendido-precedente
This year, the 14th International Triennial of Tapestry of Łódź, Poland breaks all records in participation and side exhibition numbers. So far, there will be 665 artists from around the world who, within 27 cities will present our work in 52 individual, 33 collective, and 3 in situ exhibits (Central Museum of Textiles). If these numbers don’t change, 665 artists is an impressive number. Read more on http://www.muzeumwlokiennictwa.pl/aktualna-edycja/1/472,665-uczestnikow-14-miedzynarodowego-triennale-tkaniny-i-87-wystaw-towarzyszacych.html
Este año, la XIV Trienal Internacional de Tapices de Łódź (Polonia) rompe récords en participación y exhibiciones paralelas. Hasta el momento, participan 665 artistas de todo el mundo, quienes en 27 ciudades, presentaremos nuestro trabajo en 52 exhibiciones individuales, 33 colectivas y 3 in situ (Museo Central de Textiles). Si los nombres no cambian, 665 artistas es una cifra admirable. Leer más: http://www.muzeumwlokiennictwa.pl/aktualna-edycja/1/472,665-uczestnikow-14-miedzynarodowego-triennale-tkaniny-i-87-wystaw-towarzyszacych.html
“Na różne sposoby chwalimy Triennale: że znaczące, że jedyne, wyjątkowe i wielkie. Tegoroczne triennale nie bije rekordów, bywało więcej uczestników z większej ilości państw, bywało więcej wystaw towarzyszących. Ale nigdy dotąd nie policzyliśmy, ilu Artystów bierze udział w triennale i wystawach z nim związanych. Okazuje się, że są to liczby imponujące. W dniu zamknięcia listy (25. 03. 2013), znalazło się na niej 665 nazwisk twórców z całego świata, którzy w 2013 roku 27 miastach prezentują swoje prace na 52 wystawach indywidualnych, 33 zbiorowych i 3 plenerach. Jakby liczb nie obracać, a uczestników nie dzielić na statystyczne kategorie – 665 budzi podziw”. Czytaj dalej na http://www.muzeumwlokiennictwa.pl/aktualna-edycja/1/472,665-uczestnikow-14-miedzynarodowego-triennale-tkaniny-i-87-wystaw-towarzyszacych.html
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